Выставка корейского современного искусства с RM в Лос-Анджелесе

Специальная выставка, посвященная корейскому современному искусству, проводится в Музее округа Лос-Анджелес впервые в западном мире.

Любовь RM к искусству расширяет свои границы с каждым днем. RM объявил в своем Instagram, что он принял участие в озвучке аудиогидае «Пространство между: современное корейское искусство» для специальной выставке корейского современного искусства, которая будет проходить в павильоне Резника в Музее округа Лос-Анджелес до февраля 2023 г.

Эта выставка, совместно организованная Национальным музеем современного искусства и Музеем округа Лос-Анджелес, является первой специальной выставкой, проводимой в западной стране на тему корейского современного искусства с 1897 по 1965 год со времён колонизации Кореи Японией, освобождение её в корейская войне. Она знаменательна тем, что речь идет об искусстве в условиях беспрецедентной исторической и культурной турбулентности Кореи, когда новые культуры и идеи столкнулись с традиционными ценностями и слились воедино. Прежде всего, ожидается, что она послужит значимой возможностью расширить западное понимание корейского искусства, которое было известно в основном только по традиционным реликвиям и современным произведениям.

На этой выставке, знакомящей с различными жанрами и стилями искусства, такими как живопись, скульптура и фотография, в соответствии с течением времени представлены 130 работ 88 художников, представляющих современное корейское искусство.

RM прокомментировал в общей сложности 10 работ, которые он лично выбрал.

Вы можете увидеть его взгляды и вкусы работ художников, к которым он имеет или постоянно проявлял привязанность, таких как Ким Ванки, Ю Ёнгкук, Квон Джинкю и Пак Су Гын.

Поскольку RM свободно говорит по-английски, его комментарии  выставке представлены на корейском и английском языках, и  любой желающий может послушать аудиогид с RM не только в выставочном зале, но и на сайте Национального музея современного искусства Кореи и в официальном аккаунте Музея искусств округа Лос-Анджелес на SoundCloud и на его сайте LACMA.

 vogue.co.kr

10 работ, озвученных RM

(перевод с английской версии)

 

«Портрет императора Годжона» Чэ Ёншин

На портрете изображён император Годжон, ранее известный как король Годжон, последний король династии Чосон. В 1897 году, когда суверенитет его страны оказался под угрозой со стороны иностранных держав, король Годжон положил конец 500-летней истории династии Чосон и провозгласил свою страну «Корейской империей». В стремлении сохранить её независимость, император Годжон активно продвигал корейскую историю и культуру на международной арене, одновременно осваивая новые культуры и технологии со всего мира. Продолжалось это до тех пор, пока в 1907 году Япония не вынудила императора Годжона отречься от престола и его не сменил его сын, который стал именоваться императором Сунджоном. В 1910 году Япония завершила аннексию Кореи, и название страны было изменено обратно на «Чосон».

Портрет был написан Чэ Ёншином, военным офицером, который в 1901 году получил должность при дворе и стал королевским портретистом. Император Годжон высоко ценил талант Чэ Ёншина писать чрезвычайно реалистичные портреты, которые не уступали фотографиям, сохраняя при этом стиль традиционных портретов. За эти заслуги император наградил Чэ Ёншина правительственным постом и даровал ему почётный титул «Сокган». Но в 1905 году, после того как Корея потеряла свой дипломатический суверенитет в результате второго японо-корейского соглашения, Чэ оставил свой пост и переехал в страну, где он мог физически и духовно сосредоточиться на живописи.

Согласно надписи в правом верхнем углу картины, это копия официального портрета императора Годжона, которую художник сделал сам. Оригинальный портрет датируется 1901 годом, когда императору было сорок девять лет. Представленная копия была написана в 1920 году, спустя примерно год после смерти императора Годжона, который провёл свои последние годы под непосредственным наблюдением японцев. Созданная, вероятно, дабы почтить память покойного императора, она полностью повторяет внешний вид оригинала, однако выполнена в меньшем размере, чтобы удовлетворить потребности заказчика работы.

 

«Автопортрет» На Хесок

На Хесок, родившаяся в 1896 году, стала первой корейской женщиной, изучавшей западную живопись маслом. Её обучение началось в 1913 в Женской школе искусств в Токио. После возвращения в Корею в 1921 году она провела свою первую персональную выставку масляной живописи в Сеуле. В то время живопись маслом не была достаточно представлена корейской публике и та её не жаловала, отчего новаторские достижения художницы становятся ещё более выдающимися.

На Хесок была воплощением передовой женщины современной эпохи. В дополнение к своей революционной работе на художественном поприще, она также активно участвовала в женском освободительном движении. Она помогала издавать журнал «Передовая женщина», для которого написала множество статей на тему эмансипации женщин, а также была опытной иллюстраторкой и романисткой. В 1927 году она и её муж, юрист и дипломат, отправились в долгое путешествие по Европе и Соединённым Штатам, которое длилось год и девять месяцев. Во время их пребывания в Париже На Хесок обучалась в студии Роже Бисьера, где её ранние импрессионистские работы уступили место более смелым, мрачным картинам, выражающим её эмоциональное и психологическое состояние. Одной из таких работ является «Автопортрет», тёмная палитра которой передаёт чувство меланхолии и уныния.

Мрачность, которая появлялась на картинах На Хесок, вероятно, была связана с проблемами в браке. По возвращении супругов в Корею их союз ждал развод. В то время супружеская неверность и развод были сильно стигматизированы в обществе, однако это не помешало ей открыто говорить о произошедшем. В статье под заголовком «Признание о моём разводе» она описала свои причины для развода, раскритиковала гендерное неравенство и заявила, что каждая женщина заслуживает свободу как независимая личность. К сожалению, в то время корейское общество не принимало женщину, которая выражала такие прогрессивные идеи или пыталась ниспровергнуть традиционные ценности. В результате общество стало постепенно от неё отгораживаться. Последние годы своей жизни художница провела в бедности и отчуждении и умерла в одиночестве в 1948 году.

 

«Дом с видом на южную сторону»  О Джихо

О Джихо был одним из первых художников, писавших пейзажи Кореи в стиле импрессионизма. Он верил, что живопись — это искусство передать на полотне свет и, следовательно, искусство самой сути жизни. Он любил писать яркие пленэрные пейзажи масляными красками с обилием света. В отличие от других корейских художников колониального периода, в эту мрачную эпоху О Джихо решил привнести радость и оптимизм жизни.

Изучив западную живопись в Токийской школе изящных искусств с 1926 по 1931 год, художник вернулся в Корею и присоединился к группе единомышленников, творчество которых было сосредоточено на создании красочных и жизнерадостных картин маслом, на которых оживали корейский быт и пейзажи. Он считал, что чистый и свежий воздух Кореи, пропуская через себя свет, помогает ему играть на поверхностях предметов, раскрывая их внутреннюю красоту.

На его картине, «Дом с видом на южную сторону», художник изобразил свой собственный дом в Кэсоне, где он жил с 1935 по 1945 год. Девушка в дверном проёме — его дочь Гымхи, которая, похоже, несёт миску с едой или водой своей собаке Сапсари, пока та греется на солнышке. Для передачи прозрачности света художник использовал яркие основные цвета и добавлял различные оттенки жёлтого и оранжевого, чтобы передать тёплый солнечный свет, освещающий дом. Живой и самобытный стиль О особенно заметен в выборе красок для тени большого дерева, нарисованной несчётными мазками синего и фиолетового цветов, а не чёрного. Эта прекрасная сцена даёт нам представление о радостях повседневной жизни в Корее, кажущихся невозможными в колониальную эпоху.

 

«Автопортрет в турумаги» Ли Квэдэ

*두루마기 (турумаги) — элемент корейского национального костюма, используемый как верхняя одежда.

После учёбы в Императорской художественной школе в Токио Ли Квэдэ вернулся в Корею в 1939 году и организовал Ассоциацию новых художников, поставив себя в авангард корейского художественного мира. Даже во время волнений, сотрясавших страну в связи с обретением Кореей независимости, Ли продолжал заниматься художественным ремеслом, и многие его шедевры родились именно в это смутное время середины-конца 1940-х годов. Однако после начала Корейской войны в 1950 году Ли арестовала армия США, и он попал в лагерь военнопленных Коджэдо. После того как в 1953 году Северная и Южная Корея договорились о перемирии, две страны обменялись военнопленными, и Ли решил отправиться в Северную Корею.

После войны антикоммунистический режим Южной Кореи запретил любые работы художников, перешедших на сторону Северной Кореи, в том числе Ли Квэдэ. Только в 1988 году запрет был снят, и работы ранее неблагонадёжных художников стали доступны к просмотру и изучению в Южной Корее. К счастью, члены семьи Ли, оставшиеся на юге, годами хранили некоторые его работы, что позволило ему, хоть и с опозданием, получить должное признание как одному из лучших художников своего времени.

В «Автопортрете в турумаги» Ли изображает себя профессиональным художником. С плотно сжатыми в решимости губами и глазами, смотрящими прямо на зрителя, он излучает непоколебимую уверенность в себе. На нём фетровая шляпа в западном стиле, которую в эпоху раннего нового времени предпочитали корейские мужчины из высшего общества, а в левой руке он держит палитру масляных красок. Примечательно, однако, что эти западные атрибуты сочетаются с выдающимися символами восточного искусства и Кореи. Например, художник также держит в руках несколько различных видов кисти под названием мопиль (прим.: 모필 — тонкая кисть для акварели), которую используют в восточной живописи тушью и каллиграфии, и он одет в лазурное турумаги, традиционную корейскую накидку. Кроме того, он стоит на фоне корейской сельской местности, и женщины позади него также одеты в традиционные одеяния.

 

«Паром» Чан Укчин

Стремясь к абсолютной чистоте и простоте в своих картинах, Чан Укчин стал известен благодаря своему непринуждённому изображению бытовых сцен, которые он выражал с помощью простых форм и композиций, — стиль, который он перенял в начале 1950-х годов. Картины художника, которые часто сравнивают с детскими рисунками, передают теплоту и душевность традиционной деревенской жизни, населённой семьями, деревьями, домами, животными и незамысловатыми пейзажами. Он упорно рисовал свои любимые мотивы в полуабстрактном стиле, характеризующемся широкими цветовыми блоками и неточным масштабом объектов, подчёркивая плоскость живописной поверхности.

Во время Корейской войны Чан нашёл убежище в своём родном городе Нэпане, округе Йонги, который и стал архетипом многих деревенских ландшафтов в его последующих картинах. Например, в «Пароме», который он написал в 1951 году, Чан стремится избежать ужасов войны с помощью лирического выражения идеального мира. На картине изображён речной паром, который огибает деревню, перевозя людей, только что купивших или продавших товары на рынке. Уверенно помещённые в центр полотна, скромные, но преисполненные достоинства пассажиры парома смотрят прямо на зрителя и, казалось бы, не обращают внимания ни на что вокруг себя. Каждый из них занимает равное пространство лодки, подчёркивая их статус центральных персонажей в картине собственной жизни. Спокойная, непритязательная сцена кажется почти сюрреалистичной, учитывая контекст войны.

Поскольку во время войны Чан Укчин не мог приобрести художественные материалы в своей деревне, он написал картину на обратной стороне деревянной дощечки, которую использовал в качестве полотна во время учёбы в Японии. Поэтому на обороте этой картины изображена его ранняя работа под названием «Девочка», написанная в 1939 году.

 

«Зал переговоров о перемирии в Пханмунджоме в 1953» Пен Варлен

Пен Варлен родился в поселении этнических корейцев в Приморском крае, Россия. Он изучал искусство соцреализма в Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры, а позднее там же преподавал в качестве профессора. За свою долгую и успешную художественную карьеру он создал множество великолепных картин маслом, гравюр и рисунков, в которых гордо заявлял о своей принадлежности к этническому меньшинству. Художник гордился своим происхождением и потому не менял свое корейское имя — Пён Вольлён — на протяжении всей жизни.

В 1953 году министерство культуры СССР отправило Пена в Северную Корею. Он провёл там пятнадцать месяцев, помогая восстановить Пхеньянский университет изобразительных искусств, который сильно пострадал во время войны. Следуя традициям своей альма-матер, он преподавал теорию и технику социалистического реализма. За это время Пен сблизился с различными северокорейскими художниками и некоторых из них изобразил на своих полотнах.

Художник также любил писать красивые горные пейзажи и сцены из повседневной жизни простых людей.

Находясь в Северной Корее, Пен написал «Зал переговоров о перемирии в Пханмунджоме в 1953». Картина демонстрирует типичный стиль ленинградской школы живописи, который сочетает в себе импрессионизм и академический реализм. Как и следует из названия, на картине изображён конференц-зал в Пханмунджоме, где представители Южной и Северной Кореи вели переговоры о перемирии после Корейской войны, а также обменивались военнопленными. Несмотря на то, что художник побывал на Родине уже после окончания Корейской войны, он стал свидетелем важнейшего исторического события – подписания соглашения о перемирии. Трагичность сцены подчёркивается контрастом между пустым, унылым интерьером и ярким солнечным светом, льющимся из окна.

 

«Композиция» Ю Ёнгук

Наряду с Ким Ванки, Ю Ёнгук был одним из пионеров корейского абстракционизма в начале 1930-х годов. На протяжении всей жизни Ю неуклонно следовал своему собственному видению, не поддаваясь популярным тенденциям. Уже в юном возрасте он продемонстрировал непоколебимую твёрдость духа, когда решил поступать в Университет Бунка Гакуэн в Токио, известный своими левыми взглядами, а не в Токийский университет искусств, где учились многие другие корейские художники начала двадцатого века. И хоть Бунка Гакуэн не специализировался на абстрактном искусстве, Ю был очарован новым движением и решил изучить его.

После Корейской войны, когда корейские художники наконец получили свободный доступ к американской и европейской культуре, абстрактное искусство быстро стало главенствующим направлением послевоенного периода. Но в то время как Ким Ванки и другие творцы постепенно начали экспериментировать и обращаться к новым стилям, Ю в своём творчестве твердо придерживался ключевых элементов абстрактного искусства. Он продолжал создавать броские картины, состоящие из треугольников, прямоугольников и линий самых ярких цветов.

«Композиция» была создана спустя несколько лет после окончания Корейской войны, когда Ю Ёнгук наконец смог полностью посвятить себя рисованию. В тяжёлые для Кореи годы войны и обретения независимости Ю, чтобы продержать семью, ловил рыбу и продавал самодельный ликёр из собственной пивоварни. Из-за этого за 10 лет он не написал ни одной картины. В середине 1950-х годов художник решил перевезти семью в Сеул. Там он смог сосредоточиться на своей художественной карьере и основал влиятельную арт-группу под названием «Ассоциация современного искусства». «Композиция» демонстрирует зарождение его фирменного стиля, который состоит в использовании простых форм, линий, изгибов и цвета, чтобы передать природный ландшафт, например, солнце, садящееся за горный хребет.

 

«Гора и луна» Ким Ванки

В 1930-ых годах Ким Ванки учился в Японии. Там ему удалось поработать с японскими художниками-авангардистами, со многими из которых он сблизился. Зарекомендовав себя как один из первых художников-абстракционистов в Корее, с конца 1940-ых годов Ким начал включать в свои картины элементы традиционной корейской культуры. Он создал множество работ, в которых популярные мотивы эпохи Чосон выражены на современный лад. Среди них горы, цветущая слива и белый фарфор, в особенности лунная керамика.

В 1956 году, спустя три года после окончания Корейской войны, Ким переехал в Париж, где прожил три года. Во Франции он погрузился в новейшие тенденции информализма и нового реализма, но, несмотря на это, продолжал развивать свой собственный уникальный стиль.

Именно в Париже Ким написал картину «Гора и луна», в которой отражена очень дорогая его сердцу тема — природный ландшафт Кореи. Картина сочетает в себе как фигуративные*, так и абстрактные черты, представляя собой нагромождение геометрических фигур и линий, образующих узнаваемый образ гор и луны. В верхней части полотна густыми мазками изображены горные хребты, а нижнюю половину картины занимает круглая полная луна. Белый цвет луны напоминает лунные сосуды эпохи Чосон, но общий тон картины — синий, это цвет, который становился все более заметным в палитре Кима по мере развития его карьеры.

*Фигуративизм — направление в живописи, характерной чертой которого является стремление запечатлеть объект, сохранив его схожесть с объектом в реальности.

 

«Играющие дети» Пак Сугын

Пак Сугын, один из самых обожаемых современных корейских художников, был полностью самоучкой. Его формальное образование закончилось на начальной школе, когда он вынужден был бросить учебу, чтобы помогать своей обедневшей семье. Но в двенадцать лет, впервые увидев фото картины Жана-Франсуа Милле «Анжелюс», Пак загорелся мечтой стать великим художником. Он хотел, подобно Милле, изображать сцены из повседневной жизни, наполненные святостью, словно произведения религиозного искусства. Пак оставался верным своей детской мечте и всю свою карьеру рисовал повседневную жизнь, труд и развлечения простых корейцев.

Картины Пака с изображением детей, женщин и пожилых людей, выполненные на многослойной поверхности, похожей на гранит, совершенно не похожи ни на какие другие корейские произведения искусства того времени. Этот новаторский стиль с текстурой, напоминающей рисунки на каменных стенах гробниц, был вдохновлён археологическими раскопками гробниц Когурё в Северной Корее. Кроме того, гранит широко распространен по всему Корейскому полуострову, поэтому выбор его в качестве символа Кореи и её народа кажется вполне естественным.

Одной из повторяющихся тем творчества Пака были играющие дети, которые, по его мнению, символизируют теплоту, общность и дружбу. Эта картина не исключение. Группа детей сидит перед скромным домиком с соломенной крышей и играет в игру. У стоящей в стороне старшей девочки более ответственная роль — она наблюдает за группой и одновременно приглядывает за ребенком на своей спине.

 

«Монахиня» Квон Джинкю

Уникальный стиль и виртуозное изображение человеческого тела выделяют корейского скульптора Квон Джинкю на фоне его современников. Квон изучал скульптуру в Японии и вернулся в Корею в 1959 году. В то время большинство корейских скульпторов занимались абстрактной скульптурой, находясь под сильным влиянием новых стилей и техник, недавно принесенных с Запада. Квон наперекор этой тенденции продолжал создавать свои фирменные фигуративные скульптуры, стремясь по-своему «переосмыслить реализм в Корее».

Квон создал немало бюстов женщин, в том числе скульптуру «Монахиня», которая изображает буддийскую монахиню во время медитации. Грубая форма верхней части туловища и бритая голова направляют всё внимание зрителя на лицо, спокойное выражение которого излучает чувство умиротворения и осознанности.

В 1960-х годах, когда большинство современных корейских скульпторов начали работать с металлом, Квон продолжал использовать такие нетрадиционные материалы, как терракота и лак. Для создания «Монахини» он использовал особую технику нанесения лака — «건칠» (кончиль), при которой конопляная ткань, пропитанная лаком, прикреплялась к гипсовой основе для создания затвердевшей формы. Для ещё более грубой текстуры он смешал жидкий клей с порошком из измельчённой черепицы. Незавершённый вид и сероватый цвет придают «Монахине» несколько первобытный вид, усиливая духовность, излучаемую произведением. Квон потратил бесчисленное количество часов на разработку этой трудоемкой техники, потому что она позволяла производить относительно лёгкие, но очень прочные формы. Тем не менее, при жизни его работы почти не привлекли внимания публики. К большому сожалению, в 1973 году он покончил жизнь самоубийством в своей студии в Сеуле, оставив записку, которая гласила: «Жизнь — это пустота и уничтожение».