Как выглядит мир корейского современного искусства глазами RM

Взгляните на любимых художников музыканта. Перевод статьи на Weverse Magazine

Даже если у вас лишь мимолетный интерес к чему-либо, вы можете ощущать некую близость, даже если вы находитесь в разных местах, когда человек делится своими мыслями и чувствами, разговоры немного сближают вас с этим человеком, который кажется далеким.

RM, лидер BTS, часто демонстрирует свою любовь к искусству. Он не останавливается только на разговорах о художниках и произведениях искусства, которыми он восхищается; он разделяет эту привязанность со многими людьми, делая пожертвования на цели, связанные с искусством, и все это возможно, потому что он так очарован искусством.

RM говорит, что после просмотра произведений искусства он чувствует себя отдохнувшим и вдохновленным, что, в свою очередь, заставляет фанатов BTS проявлять больше интереса к искусству.

 

Как выглядит мир искусства глазами RM?

Искусствовед Джангро Ли (Jangro Lee) исследует этот вопрос, рассказывая о художниках и произведениях искусства, которые больше всего интересуют RM.

Ким Ванки (Kim Whanki)

У широкой публики теперь больше возможностей для общения с помощью различных средств массовой информации, поэтому поклонники обращают внимание на действия артистов: на фото картина "Вечная песня / Eternal Song", одна из работ Ким Ванки на выставке в Сеульском художественном музее.

Может ли художник представить более яркий способ сказать, что он хочет быть с нами навсегда? Во время учебы в Париже Ким нарисовал этот современный взгляд на корейскую эстетику, работа, которая мало чем отличается от желания фанатов, чтобы их любимый художник продолжал заниматься своим ремеслом надолго.

 

    Kim Whanki, Вечная песня. 1957 г. © Фонд и Музей Whanki

 

Ким часто использует натуралистические мотивы, которые, по его мнению, лучше всего раскрывают корейские эмоции, а толстые мазки на холсте максимизируют воздействие текстуры, что характерно для произведений парижской арт-сцены того времени. В этот период своей жизни Ким сконцентрировался на создании произведений, которые поэтично напоминают корейский, в то же время обмениваясь идеями со своими современниками.

Он описал уникальные качества их шедевров сродни мощным песням. Если смотреть с этой точки зрения, "Вечная песня" кажется еще более значимой: птицы, горы, олени, облака, керамика символизируют бессмертие природы и традиций.  Эта работа полностью отражает взгляды и идентичность Кима.

Поскольку песни долгое время считались стихотворениями со звуком, Ким показывает на своем холсте язык, на котором написаны богатые образами стихи. Отточенная техника и гармоничное использование цвета, воплощенное в плоской композиции и упрощенной форме, характеризуют его  как прекрасного художника и писателя.

Стиль Кима не перестал развиваться, в Нью-Йорке он создал свою широко известную серию точечных картин на холсте, используя повторяющиеся точки в качестве базовой структуры, линии и изменения цвета оригинальны.

Одна из его самых известных серий картин «Где, в какой форме мы встретимся снова?», Получившая свое название от последней строчки стихотворения «Вечером» Ким Кван Сопа (Kim Kwang-seop), наполнена впечатляющей экспозицией синих точек, которые представляют мысли художника о своей родной стране и тоску по ней. Точки не аккуратны, смываются водой и размазываются, покрывая холст разными оттенками синего. Точки растекаются и растекаются, встречаясь друг с другом и переходя из множества отдельных элементов в открытую форму, демонстрируя гармонию умеренности и великолепия. Благодаря этим техникам, демонстрирующим различия в его методах, но последовательному использованию корейских мотивов и натурализма, работы Кима навсегда останутся вечными песнями.

    Ким Ванки, Где и в какой форме мы встретимся снова? 1970 г. © Фонд и Музей Ванки.

 

 

Ли Унгно (Lee Ungno)

Движущей силой корейского современного искусства, несмотря на историю страны, являются художники, которые творят в пределах возможностей, и поэтому мир, показанный в работах этих художников, без исключения является проекцией, основанной на мир реальности,  в котором они жили.

    Ли Унгно, Бамбук. 1971. © Музей Ли Унгно

RM опубликовал в интернете фото картины "Бамбук" Ли Унгно, рассказав своим поклонникам, что он посетил выставку  «Искусство и общество 1900–2019» в Национальном музее современного искусства.

Работы Ли особенно интересны, если рассматривать их в хронологическом порядке, поскольку это подчеркивает изменение его стиля. Его ранние работы были так называемыми четырьмя прекрасными растениями, написанными чернилами, которые прочно закрепили его в области корейского традиционного искусства. Ли проявлял глубокий интерес и привязанность к бамбуку: говорят, что в течение семи лет после победы на Художественной выставке Чосон в 1924 году он создавал картины с бамбуком исключительно. Бамбук в искусстве традиционно ассоциируется со здравомыслием и честностью.  Работы Ли в этот период особенно ярки и выразительны в жанре mukjukhwa.

В последние годы своей жизни Ли создал серию «Люди», в которой изображена толпа человеческих фигур, нарисованных мазками, напоминающими каллиграфию. Фигуры на картинах, кажется, разбегаются в одном направлении, как если бы пожилой Ли выражал жизненную силу человеческого духа за пределами царства истории и цивилизации.

    Ли Унгно, Люди. 1988. Изображение предоставлено SmartK.

 

Юн Хён Кын (Yun Hyong-keun)

Характер художника, то есть его дух и отношение к жизни, вполне естественно встроенны в его работы. Это чувство характера и образы, которые оно создает, - главная сила, стоящая за нашей способностью получать удовольствие от произведений искусства, позволяя нам погрузиться в глубокое очарование, глядя на них.

RM увлечен и заинтригован искусством Юн Хён Кына, поскольку во время путешествий он посещал выставки в Сеуле, в Венеции и Нью-Йорке.

    Юн Хён Кын, без названия. C. 1966. Изображение любезно предоставлено Muum.

 

Работы Юна, как с энтузиазмом отмечает RM, различаются в зависимости от возраста художника. Он наиболее известен своей монохромной живописью, но ранние работы представляют собой яркие абстракции. Лирическая сентиментальность его ранних работ, кажется, была отражением влияния на Юна наставника и тестя Ким Ванки.  

Но после ложного обвинения в нарушении антикоммунистических законов и его последующего освобождения из тюрьмы работы Юна приобрели более мрачную атмосферу и цвета. На зрителей производит сильное впечатление обиды и печали, которые мучили Юна, когда они смотрят на черные колонны на его холсте. Оттенок черного, напоминающий чернила, на самом деле был создан не с помощью черной краски, а в результате слоев жженой умбры (темно-красный) и ультрамарина (темно-синий), которые Юн неоднократно наносил на холст. Краски накладываются на грунтованный холст так, чтобы цвета текли свободно.  Так зритель может прочитать сложную атмосферную эмоцию вертикальных цветных полос в его серии «Умбер-синий / Umber-Blue».

Поскольку цвета и поля работ различаются в зависимости от эпохи и ситуации, в которой каждая была написана, полное погружение в данную работу происходит благодаря правильному анализу окружающей среды и мыслительного процесса Юна в то время, когда он писал.

    Юн Хён Кын, Умбра-Голубая. 1973 г.

Изображение предоставлено Национальным музеем современного искусства.

 

Квон Дэ-суп (Kwon Dae-sup)

Картины не единственные произведения искусства, воплощающие корейскую историю и традиции. Ни один список не будет полным без керамики Квон Дэ-супа.

RM, который загрузил фотографию себя с одним из лунных сосудов Квона, восхищенно назвал Квона мастером корейской эстетики.

Лунные кувшины, фарфоровая посуда, первоначально изготовленная в конце периода Чосон, представляют собой типичную корейскую керамику, известную своим нежным белым цветом и изгибами.

Хотя Квон специализировался на живописи, был очарован формой и изображением лунных кувшинов и с тех пор работает художником по керамике. Вполне естественно, что лунные кувшины Квона, над которыми он работал и совершенствовал с помощью духа и техник, связанных с традиционным белым фарфором, должны быть признаны шедеврами.  Oни  представляют собой усовершенствованную форму лунного сосуда, чистую и без дефектов, с минимализмом, хорошо подходящим для современных чувств.

    Квон Дэ-суп, Лунный сосуд. Изображение предоставлено K Auction

 

Поскольку большие лунные кувшины сложно изготовить как одно целое, верх и низ должны быть изготовлены отдельно и соединены вместе с использованием высокоразвитых навыков.  Этот процесс подчеркивает различие между эстетикой и отделкой для каждого отдельного художника, с неизбежными недостатками в дизайне.

Несмотря на то, что они всегда белые, тот факт, что художник контролирует, насколько прозрачными или мутными будет сосуд, перемещая в огонь печи, показывает, насколько сложен этот процесс.

Сдержанное, но теплое качество лунного сосуда отражается в искренности создания этих деталей. Этот изысканный баланс демонстрирует стремление Квона создать что-то простое и традиционное, а мелкие неровности придают каждому кувшину неповторимый блеск. В руках художника процесс создания традиционной керамики точно указывает, где традиция пересекается с современностью и обогащает наш эстетический опыт как зрителей.

 

Чон Ён Чжу (Joung Young-ju)

Подобно тому, как мы можем найти утешение и тепло в традиционных элементах произведения, мы иногда обнаруживаем, что, хотя и не знаем почему, тоскуем по чему-то, когда всплывают эмоции из нашего прошлого. Возможно, поэтому «Город» художника Чон Ён Чжу,  с исчезающим пейзажем вызывает эмоции, которые кажутся такими знакомыми.

    Чон Ён Чжу, Исчезающий родной город 730. 2020. Из блога художника.

 

Работы этой серии со сцененами трущоб выглядят так же реалистично, как и фотография, но выполнены с использованием техники, называемой papier collé, которая включает в себя различные материалы, прикрепленные к холсту. Корейская традиционная бумага, известная как ханджи, смята и покрыта акриловой краской, чтобы подчеркнуть пейзаж старого района, показывая следы времени, поскольку цвет и текстура бумаги достигают трехмерного эффекта.

Перспектива заставляет дома в «Исчезающем пейзаже» казаться размытыми, что соответствует пробуждению воспоминаний о прошлом, прежде чем все исчезнет. Чон вкладывает в свои работы личное ощущение комфорта, связанное с маленьким родным городком, так что те, кто смотрит на них, неизбежно испытывают горячую ностальгию, независимо от того, видели они такие достопримечательности лично или нет.

Интересно, что в воссоздании нежных воспоминаний Чон не включает в картину ни одного человека. Вероятная причина, по которой мы чувствуем живость и ностальгию в каждой картине, несмотря на отсутствие людей, - это множество ярко освещенных домов, заполняющих холст. Как всегда бывает, то, что мы видим с первого взгляда, - это не все, что нам говорят, и нам достаточно легко представить, что все люди по соседству проводят время в своих домах. 

 

Кан Ёбэ (Kang Yobae )

Память и придаваемый ей смысл у всех разные. Художник Кан Ёбэ, родившийся и выросший на острове Чеджу, связывает память в основном со временем и местом Чеджу. Его работа посвящена природе и истории острова.

    Кан Ёбэ, Цветы и оружие. 1977 г.

Изображение предоставлено Национальным музеем современного искусства.

RM упомянул книгу, которую он недавно читал: «Глубина пейзажа / The Depth of Landscape», сборник произведений Кана вместе с его личными трудами, которые исследуют его жизнь и творчество. Книга особенно примечательна тем, что корейские художники редко пишут о своих работах.

Книга Канга начинается с фразы: «Я вырос на острове, и я вернулся на остров».

Используя в своих работах стиль Minjung / Минджунг («народное») направления 1980-х годов, Канг наполнил свои картины болезненными, но сильными воспоминаниями о своем родном городе и, в частности, о восстании на Чеджу.

Однако многие из его работ также проливают свет на природу острова. Он смешивает традиционные пейзажи с западными техниками и показывает все четыре времени года сразу.

Воспоминания Канга о пейзаже наполнены жизнью и историями, что неизбежно делает их непохожими на то, как они видятся зрителям. Хотя они смотрят на то же море и небо, что и он.

Ветер, обычный элемент его работ, нарисован тонкими, непринужденными мазками, чтобы передать ощущение времени и места. Иллюстрированные ветры Канга будоражат сердца наблюдателей тем, с чем столкнулось его собственное сердце и его взгляд в каждый момент на протяжении всей его жизни.

    Кан Ёбэ, South Wind 1. 1992 г

Изображение предоставлено издательством Dolbegae Publishers.